Tercera práctica. comentario de texto Alvar Aalto.


A.AALTO: LA ARMONÍA ENTRE LA FINALIDAD Y LA FORMA.




1. Las características que nos lleva a atribuir el diseño de esta silla a Aalto, es su simpleza de formas, casi sin decoración, uso de material natural (madera) y sobre todo la curvatura de las patas; similar a otros de sus diseños, puesto que Aalto conocía muy bien la madera, y dominaba la técnica de curvarla al vapor.

2.


Alvar Aalto diseñaba sus muebles en concordancia con un contexto determinado y función; en este caso, en la oficina a primera vista, ningún objeto llama nada la atención por encima de otro, es decir, no hay nada fuera de lugar; es un espacio geométricamente simple, con muebles geométricamente sencillos pero “bellos” en si mismos; en todos ellos predomina madera como material de composición.

Este ideal de Alvar Aalto, en el que busca la armonía entre los elementos que forman el conjunto de la obra, concuerda con un fragmento de un poema de Thomas Stearns Eliot:

Donde cada palabra está en su sitio.
Ubicada en su lugar para sostener a las otras.
La palabra ni desconfiada ni ostentosa.
Un comercio cómodo entre lo viejo y lo nuevo,
La palabra exacta sin vulgaridad,
La palabra precisa pero no pedante.
El conjunto completo danzando.

3. En cierto modo creemos que no, aunque para la oficina, o espacio que contenga el objeto, es más difícil explicar su origen, o lo que se pretende expresar, sin unos objetos que le den “utilidad” al espacio, es decir, que lo le da significado a la habitación son los objetos con los que amueblamos.
Para la silla, totalmente lo contrario, se explica su forma, su estética y su utilidad ella sola.
En conclusión, los muebles dan significado a la habitación.

4. A nuestro entender, es importante que halla armonía entre el contexto y el mobiliario; pero esto es variable de una persona a otra, es decir, es cuestión de gustos. Aalto poseía un gran abanico de influencias estéticas, por lo cual su “gusto” se enriqueció, y convenció con sus diseños a una gran mayoría.

5.


Como acabamos de exponer, Aalto creía que para un entorno o contexto se debía seguir un orden, en este caso una estética que no desentone o llame la atención por encima de otros objetos.
Nosotros optamos por una comparación entre algo regio y clásico, como puede ser la sala de un trono real, y un asiento de corte futurista y desenfadado, como un "egg chair".
El efecto creado provoca una atención centrada en el asiento, puesto que llama la atención por su "mala" ubicación o armonía con el entorno.

Segunda práctica. comentario de texto Bauhaus.


BAUHAUS: Diseño Industrial del siglo XX.


Época: el texto es posterior al traslado de la sede de la Bauhaus, de Weimar a Dessau (1925) que coincide con la finalización de la segunda etapa de Gropius (1923-1925) en la escuela completando el desarrollo del diseño industrial tal y como se entiende actualmente.
Autor: Walter Adolph Georg Gropius (Berlín, 1883 - Boston, 1969). Arquitecto alemán fundador de la Bauhaus después de la Primera Guerra Mundial (1919). En su primera etapa hasta 1926 se dedicó a la conceptualización del Diseño Industrial como lo conocemos ahora, y en una segunda etapa en la que se dedicó a la arquitectura.
Ideas fundamentales en esta etapa de la escuela:
1. Aceptación del mundo circundante de las máquinas y los automóviles: la sociedad ya ve como algo habitual los vehículos y su montaje en cadena, que en 1908 inició Henry Ford en un proceso que continúa hoy día con diferente tecnología.
2. Creación de objetos con elaboraciones simples y prácticas, sin ornamentación.
3. Limitación a formas y colores básicos (como reafirmación del punto anterior).
4. Simplicidad en la multiplicidad (como la fabricación en serie: nuevas tecnologías), utilización sobria del espacio, material, tiempo y dinero (optimización de recursos: mínimo gasto, máxima producción y nuevos materiales).
5. Tipos estándar para los objetos útiles de uso cotidiano: reseña a la fabricación en serie normalizada y optimización de los recursos.
Este periodo inicial de la escuela viene impulsado por las revoluciones industriales: la primera que pasó de artesanía a industria (1750-1840) y la segunda más reciente en la que se crea la cadena de montaje (1880–1914) siendo muy influyente en el boom del automóvil. Es contemporáneo al Modernismo, de finales del s.XIX y primer cuerto del s.XX. en la que se generan nuevas técnicas e ideas de diseñar y emplear nuevos materiales y tecnologías.
La imagen seleccionada es una representación grafica de las ideas fundamentales de la Bauhaus: repetición del objeto simbolizando la fabricación en serie, representación de colores básicos y familiares, etc.

El genio de las formas.


Aunque de aspecto más agresivo, la imagen no deja de recordar a las formas que Gehry trabaja en muchas de sus obras, recordando a su escultura del pez (Barcelona).
  
Gehry mezcla la libertad de creación que le permite el arte (sin límites), con las restricciones de la física en la arquitectura, para generar obras arquitectónicas que parecen cobrar vida propia. Le gusta lo raro: formas abstractas, mezcla de planos y líneas inclinados y retorcidos, generando volúmenes casi incomprensibles.

Se sale de la línea habitual en arquitectura, entendiendo el arte como una herramienta muy poderosa en arquitectura, debiendo expresarla como tal. En esto influye su relación social dentro del grupo de los artistas. Rompió moldes desarrollando formas arquitectónicas vivas, escapando de las reglas restrictivas de la arquitectura, que tanto molestan a Gehry.

Su entendimiento de la luz le lleva a jugar con ella, tanto de forma natural como  artificial. Unido a sus formas originales crea espacios inverosímiles, resolviendo al mismo tiempo problemas de materiales, y funcionalidad del edificio.

Trabaja en varias escalas sobre las maquetas, para obligarse a pensar en el edificio real, y no centrarse solo en un objeto (la maqueta). A través del dibujo no podía reflejar la realidad se sus obras; la informática se lo permitió. La técnica de digitalización informática de maquetas a un modelo 3D, le permite mayor libertad al diseñador  para trabajar las formas del edificio sobre la maqueta y dar rienda suelta a su imaginación desarrollando las ideas iniciales.

Sin lugar a dudas para Gehry la arquitectura es una forma de hacer arte al servicio del hombre, entendiendo un edificio como una escultura funcional. En cuando a su peculiar forma de vestir sus obras, le gusta generar movimiento y vida.